DIB Bangkok

Dib Bangkok est d’abord l’aboutissement d’une histoire familiale. Petch Osathanugrah (1960-2023) appartient à une dynastie d’affaires thaïlandaise : héritier d’Osotspa, l’entreprise fondée par son grand-père Surin Osathanugrah et connue pour sa boisson énergisante M-150, il en est le président-directeur général jusqu’en 2022⁶. Il préside aussi l’université de Bangkok, fondée par son père en 1962, et mène en parallèle une carrière de producteur et d’interprète de musique pop. C’est pourtant comme collectionneur d’art contemporain qu’il laisse sa trace la plus durable : pendant une trentaine d’années, il réunit l’ensemble d’œuvres qui forme aujourd’hui le cœur du musée.

Cette collection n’est pas l’œuvre d’un seul homme. Son père, Surat Osathanugrah, homme d’affaires devenu photographe de rue, publie en 2002, à soixante-douze ans, un livre de photographies intitulé Vanishing Bangkok, consacré à une ville en train de disparaître. Il a constitué une partie de la collection avec son fils, et ses images figurent parmi les œuvres de l’exposition inaugurale⁶. Le musée réunit ainsi, dès son ouverture, le regard de plusieurs générations : celle qui a photographié Bangkok, celle qui a collectionné, et celle qui a ouvert les portes.

L’idée d’un musée accompagne la collection presque depuis ses débuts. On parlait de ce projet depuis trente ans, et le fils de Petch Osathanugrah a raconté que son père l’évoquait déjà lorsqu’il était enfant¹⁴. L’intention était claire : corriger la faible présence de l’art thaïlandais sur la scène internationale, en lui donnant un lieu où il serait vu aux côtés des artistes reconnus dans le monde entier.

Une anecdote dit bien la longueur de cette attente. En 1995, Petch Osathanugrah achète au sculpteur Somboon Hormtientong une œuvre composée de colonnes. Faute de lieu pour l’accueillir, l’artiste garde les colonnes chez lui pendant plus de vingt ans, dans l’attente de la construction du musée¹⁴. Une œuvre acquise au milieu des années 1990 ne trouve ainsi sa place définitive qu’au moment de l’ouverture, trois décennies plus tard.

Petch Osathanugrah ne voit pas l’aboutissement de son projet. Il meurt d’une crise cardiaque le 14 août 2023, à soixante-trois ans, alors que le chantier n’est pas terminé⁸. Son fils, Purat Osathanugrah, connu sous le surnom de Chang, prend le relais : président fondateur du musée, il mène le projet à son terme et ouvre au public une collection jusque-là privée.

Ce passage d’une collection personnelle à une institution ouverte change la nature de l’ensemble. Purat Osathanugrah décrit le musée comme un lieu qui collectionne, conserve, restaure, éduque et raconte l’art contemporain, c’est-à-dire comme une institution complète plutôt que comme la vitrine d’un goût privé². Il souhaite d’ailleurs que le musée finisse par exister au-delà du nom de la famille qui l’a fondé.

Le musée s’est installé dans un quartier qui n’était pas destiné à l’art. Son entrée se trouve au bout sud du SoiMot thaï désignant une ruelle ou une rue secondaire qui part d’une grande artère ; les soi sont souvent numérotés d’après la rue principale dont ils partent. Sukhumvit 40, l’une des ruelles, appelées soi, qui partent de la grande artère Sukhumvit, en retrait de Rama IV Road, à proximité de la zone portuaire de KhlongCanal ou voie d’eau, naturelle ou aménagée, qui a longtemps joué un rôle majeur dans les transports, l’irrigation et l’organisation des territoires en Thaïlande. Toei. Le bâtiment qui l’abrite est un ancien entrepôt d’acier construit dans les années 1980, un édifice utilitaire que rien ne prédisposait à recevoir des œuvres³.

Ce choix donne au musée une partie de son identité. Plutôt que de construire un bâtiment neuf, la famille Osathanugrah a fait le pari de transformer une structure industrielle, liée à l’activité commerciale de la ville. Le passé du lieu n’a pas été effacé : il reste lisible dans les matériaux, la charpente et la forme du toit, et la reconversion de l’entrepôt constitue la seule transformation majeure de son histoire.

Le nom du musée prolonge ce choix. « Dib », qui se prononce comme le mot anglais « dip », est un mot thaï que l’on traduit par « brut », au sens de ce qui est rugueux ou cru, à l’état naturel. Le musée y voit à la fois une imageDans le bouddhisme thaï, représentation cultuelle du Bouddha, le plus souvent une statue, objet de vénération. de l’énergie de Bangkok et l’idée de ramener l’art à son état premier, débarrassé de ce qui l’encombre¹⁵.

Le mot s’accorde avec un bâtiment dont on a voulu garder le caractère industriel. Pendant la phase de projet, l’institution portait le nom plus long de Dib Bangkok Museum of Contemporary Art ; c’est la forme courte, Dib Bangkok, qui s’est imposée à l’ouverture⁶.

La reconversion de l’entrepôt a été confiée à Kulapat Yantrasast, architecte né en Thaïlande et fondateur de l’agence WHY Architecture, associé au cabinet thaïlandais Architects 49⁴. Le parti retenu repose sur un dialogue entre la structure existante et une inspiration religieuse : l’architecte se réfère à l’éveilDans le bouddhisme, état de compréhension et de clarté atteint au terme de la voie spirituelle, qui libère de l’ignorance et de la souffrance., l’état de compréhension et de clarté que le bouddhisme place au terme de la voie spirituelle.

Cette référence ne se traduit pas par un décor religieux. Elle prend la forme de gestes architecturaux, insérés dans l’ossature industrielle, qui travaillent la lumière, les passages et la manière dont le visiteur s’élève dans le bâtiment¹. L’entrepôt garde sa charpente et ses volumes, mais il devient un parcours qui mène de la pénombre du béton à la clarté des salles hautes.

Ce mouvement se lit d’un étage à l’autre. Au rez-de-chaussée, une esthétique minimale en béton rappelle le passé industriel du bâtiment : les surfaces sont nues, et le visiteur perçoit encore l’entrepôt sous le musée⁴. Le premier étage propose des espaces plus intimes et plus propices à la contemplation ; on y a exposé une grille de fenêtre sino-thaïeQualifie ce qui relève du mélange des cultures chinoise et thaïe, notamment une tradition architecturale et urbaine développée en Thaïlande par les communautés d’origine chinoise. d’origine, témoin d’une tradition urbaine née du mélange des cultures chinoise et thaïe, qui ancre le lieu dans l’histoire architecturale de la ville.

Le deuxième étage offre au contraire des salles de type « white cubeType de salle d’exposition aux murs blancs et neutres, conçue pour effacer l’architecture au profit des œuvres. », c’est-à-dire des galeries aux murs blancs et neutres qui effacent l’architecture au profit des œuvres⁴. Elles reçoivent la lumière par des puits percés dans la toiture et, au nord, sont couvertes par le toit en shedsToiture en dents de scie, typique des bâtiments industriels, dont les versants vitrés laissent entrer une lumière régulière. de l’entrepôt, cette couverture en dents de scie typique des bâtiments industriels qui laisse entrer une lumière régulière. La montée dans le musée accompagne ainsi le passage du passé industriel à l’espace d’exposition contemporain.

Autour des onze galeries, le musée s’organise autour d’une grande cour centrale ouverte et d’un jardin de sculptures en plein air, qui font entrer le ciel et la végétation dans un ensemble autrefois fermé. Un penthouse destiné aux événements et un bistro-bar doublé d’un restaurant complètent le programme et font du musée un lieu de séjour autant que de visite¹².

L’ensemble couvre de l’ordre de 6 500 à 7 000 mètres carrés, les chiffres variant selon que l’on compte le bâtiment entier ou les seules galeries¹. Cette échelle place Dib Bangkok parmi les grands équipements culturels de la ville, sans que l’ancien entrepôt perde pour autant sa silhouette.

La collection compte plus de mille œuvres de plus de deux cents artistes, thaïlandais et internationaux¹. On y trouve des artistes de la scène thaïlandaise comme Montien Boonma, Rirkrit Tiravanija ou Kawita Vatanajyankur, et des figures internationales comme Damien Hirst, Frank Stella, Takashi Murakami ou Pablo Picasso. Cette coexistence est le cœur du projet : le musée entend présenter les grands noms de l’art mondial et les créateurs thaïlandais sur le même plan, sans hiérarchie entre un centre et une périphérie.

Ce principe guide aussi la programmation. Pendant ses premières années, le musée prévoit de montrer sa collection, des commandes nouvelles et des collaborations, en mettant en avant un ou deux artistes à chaque exposition². Plutôt que de suivre une chronologie ou des écoles nationales, les commissaires organisent les accrochages par thèmes, ce qui permet de rapprocher des œuvres d’origines très différentes.

L’œuvre la plus visible du musée est une construction à part entière. Straight Up, réalisée en 2025 par l’artiste américain James Turrell, est une installation permanente en forme de tour isolée, dont la silhouette rappelle un silo¹¹. Le visiteur y monte un escalier jusqu’à un skyspaceSalle conçue par l’artiste James Turrell pour regarder le ciel à travers une ouverture pratiquée dans le plafond., une salle conçue par l’artiste pour regarder le ciel, percée d’un oculusOuverture circulaire pratiquée dans un plafond, une voûte ou un mur, qui laisse passer la lumière., une ouverture circulaire au plafond qui découpe un fragment de ciel.

L’expérience repose sur la lumière naturelle et sur le temps : la couleur du ciel, vue à travers l’oculus, change avec l’heure et la météo. L’œuvre est présentée tantôt comme la première de James Turrell en Asie du Sud-Est, tantôt, de façon plus prudente, comme sa première grande structure permanente en Thaïlande¹¹. Dans les deux cas, elle fait écho à l’idée d’éveil et de clarté qui guide l’architecture du musée.

Montien Boonma occupe une place centrale dans l’accrochage. Sa sculpture Full Moon, de 1991, figure dans le musée, et une douzaine de ses œuvres sont réunies au deuxième étage, en dialogue avec celles de l’artiste allemand Anselm Kiefer. Parmi elles, une installation sonore de cinq cents cloches en terre cuite fait du son une matière de l’œuvre, au même titre que la forme¹².

Les colonnes de Somboon Hormtientong, longtemps gardées par l’artiste, ont connu une installation singulière. Avant leur mise en place, le sculpteur a célébré avec quatorze moines un rite funéraire pour les colonnes, comme pour clore leur longue vie d’attente avant d’entrer au musée¹⁴. Ce geste montre comment une œuvre contemporaine peut porter des pratiques religieuses thaïlandaises, et comment le musée accueille des œuvres qui ont une histoire avant même d’y être exposées.

La mort du fondateur et l’ampleur du chantier ont repoussé à plusieurs reprises la date d’ouverture, d’abord annoncée pour le printemps 2025, puis pour l’automne. Entre-temps, le musée s’est doté d’une direction. En février 2024, Miwako Tezuka quitte New York pour Bangkok et en devient la première directrice¹⁸. Historienne de l’art spécialiste de l’art japonais d’après-guerre, docteure de l’université Columbia, elle a dirigé la Japan Society Gallery de New York avant d’être directrice associée de la Reversible Destiny Foundation.

Le choix d’une directrice venue de la scène artistique new-yorkaise et spécialiste de l’Asie traduit l’ambition internationale du projet. Le musée est inauguré lors d’une soirée officielle le 20 décembre 2025 et ouvre au public le lendemain. Son ouverture a été présentée comme l’une des plus attendues en Asie depuis celle du musée M+ à Hong Kong, ce qui dit l’attention qu’elle a suscitée bien au-delà de la Thaïlande².

L’exposition inaugurale, (In)visible Presence, présentée du 21 décembre 2025 au 3 août 2026, est tirée de la collection : elle réunit quatre-vingt-une œuvres de quarante artistes¹⁰. Sa commissaire, l’artiste thaïlandaise Ariana Chaivaranon, l’a conçue sous la direction artistique de Miwako Tezuka comme une exploration de la mémoire et de ce qui échappe au regard, qui sollicite plusieurs sens à la fois : le son, l’odeur et la lumière.

Le parcours fait se croiser des artistes d’horizons variés, de Lee Bul à Hiroshi Sugimoto, d’Apichatpong Weerasethakul à Pinaree Sanpitak, d’Alicja Kwade à Paloma Varga Weisz, dont la sculpture Bumpman on a Tree Trunk figure dans l’accrochage. Les photographies de Surat Osathanugrah y trouvent leur place, rappelant que la mémoire dont parle l’exposition est aussi celle de la famille qui a réuni la collection et de la ville qu’elle a vue changer.

Dib Bangkok se présente comme le premier grand musée thaïlandais consacré à l’art contemporain international⁵. Il rejoint dans la capitale deux institutions déjà établies, le Centre d’art et de culture de Bangkok (Bangkok Art and Culture Centre) et le musée d’Art contemporain de Bangkok, connu sous le sigle MOCA. Institution privée à but non lucratif, il s’inscrit dans une tendance propre à l’Asie, où de grands musées naissent de l’initiative de particuliers issus de dynasties d’affaires plutôt que de celle des pouvoirs publics.

Ce statut éclaire la nature du lieu. Le bâtiment, entrepôt récent, ne bénéficie d’aucune protection patrimoniale connue ; sa valeur tient moins à son ancienneté qu’à ce qu’il abrite et à la manière dont il a été transformé. En faisant d’un entrepôt portuaire le siège d’une collection internationale, la famille Osathanugrah a donné à Bangkok un musée qui raconte à la fois l’histoire d’une collection, celle d’une ville industrielle et la place que l’art thaïlandais cherche à occuper dans le monde.